La narrativa de la luz va un paso más allá. No se trata únicamente del modo de contar una historia, sino de la historia en sí, con sus personajes, la sucesión de acciones en un determinado tiempo y espacio.
Sophya Acosta*
A lo largo de mi carrera, una de las principales fuentes de preocupación y dolores de cabeza fue la comunicación de mis ideas y mis pensamientos con respecto a lo lumínico. Ante distintos interlocutores, en cada reunión intentaba traducir a diversos lenguajes aquello que para mí significa trabajar con luz y crear iluminaciones varias.
Desde comparar la luz con el agua o el aire, para dar a entender los conceptos de potencia o naturalidad, hasta hablar de historias lumínicas y la luz como actor en escena, las comparativas de los distintos aspectos de la luz y su construcción se volvieron cada vez más imaginativas.
Es por eso, en un intento por crear términos que se ajusten a lo que para mí es la luz, la iluminación y los procesos de diseño, que creé (o redefiní) los siguientes términos que explicaré a continuación.
El proceso de diseño
En el proceso de diseño existen para mí distintos elementos con los que me vinculo y cuya interacción con el material de la obra, marcan el inicio o el fin de las distintas instancias proyectuales. Estos conceptos son:
Universo visual propio: se trata de la colección de estímulos visuales, recuerdos, imágenes, textos y experiencias con las que cuentan todos los seres vivos. Constituye el banco de información desde el cual conocemos el mundo, es el punto de referencia que usamos a la hora de encontrarnos con situaciones visuales nuevas y es también el punto de partida para empezar a crear nuestra obra. El universo visual propio se empieza a constituir desde la temprana infancia. En general su contenido es el que determina los ejes de interés de la poética del artista.
Universo visual colectivo: es ese universo que se construye con alguien más con el fin de poder construir un lenguaje en conjunto. Se nutre de los universos individuales y además de la resultante del intercambio entre el equipo. Es una tercera opción. Su fin es poder establecer decisiones visuales conjuntas y enriquecen el universo de la obra.
Universo de la obra: es el universo que se desprende del estímulo primigenio de la obra. Puede desprenderse del texto dramático, de una coreografía, de la música, la poesía o cualquiera fuera el estímulo germen a partir del cual surge el proyecto. El Universo de la Obra tiene sus propias reglas y leyes físicas. Tiene su propia ley de atracción y ley de gravedad a partir de la cual podemos empezar a descubrir el aspecto material que le pertenece. Del cruce entre este Universo y el universo visual colectivo se desprenden los conceptos rectores del proyecto. La lectura de estos conceptos se dará a través de nuestro universo visual propio (vemos y leemos en función de lo que somos y de lo que nos atraviesa).
Concepto rector: Es el recorte parcial que vamos a hacer del universo de la obra para mostrárselo al público. Es fruto de la decisión consciente de establecer los límites de lo que se reproducirá en el escenario. Del concepto rector surgen los demás conceptos que organizarán cada lenguaje que forme parte de la puesta en escena.
Reproducción escénica: aquello que vemos en el escenario durante la función no es más que la reproducción de ese universo de la obra que existe por fuera de nosotros y que pertenece al mundo de las ideas. Lo que vemos en el escenario es simplemente una reproducción que llevamos adelante del recorte que hicimos. Como en el mito de la caverna, la obra “real” existe por fuera de nosotros, lo que se pone en acto en el escenario, es una lectura a partir de nuestros ojos.
La luz y su relación con si misma
Dentro de un proyecto y ya establecido el concepto rector que nos guiará, como diseñadora mi tarea es la de seleccionar cuál será el recorrido lumínico de cada pieza, pautando el devenir de estímulos, los colores y las formas que ésta tendrá. Para definir qué entra y qué no (a nivel conceptual), utilizo dos elementos que para mí son fundamentales. Ellos son:
Luz endógena: luz que pertenece conceptualmente a la obra. Es aquella luz que forma parte naturalmente del mundo físico, emocional y espiritual de la obra. No genera rupturas, se siente natural e integrada porque responde a las leyes que este universo plantea. Se encuentra establecida por el concepto lumínico y por el concepto general de la puesta. Se presenta en las primeras escenas y establece un código que continuará a lo largo de toda la obra. Crea la clave visual del espectáculo.
Luz exógena: es aquella luz que no pertenece al universo visual ni al universo conceptual de la obra. Cuando se presenta en una obra, se nota que no está relacionada con el contexto y genera un estado de ruptura. Su aparición se siente forzada. Tal vez sea utilizada para un efecto que podría haber sido resuelto con otros mecanismos técnicos o visuales y plantea una disrupción que puede atentar contra la unidad visual del trabajo de diseño. En general son el resultado del enamoramiento del diseñador con un efecto puntual o con la posibilidad técnica de un aparato y que no fue abandonado a tiempo durante el proyecto.
Planos de existencia de la relación lumínica
En primera instancia, los términos “narrativa de la luz”, “dramaturgia lumínica”, “storytelling” y “poética de la luz” parecieran ser sinónimos. A continuación, me gustaría definir cada término para que podamos comprender que no se trata de sinónimos, sino de conceptos, que, como las muñecas rusas, se corresponden y develan distintos estadios relacionales entre la iluminación, su proceso de diseño, y el diseñador.
Storytelling de la luz: Storytelling es un término de origen inglés cuya traducción literal sería “contar historias”. Cuando nos referimos a la creación del storytelling lumínico, estamos hablando de la capacidad de compartir una historia a un otro. El storytelling propone una estructura simple con un desarrollo secuencial en el que utilizamos la luz para contar una historia al espectador. La luz es la voz nos permite contar un cuento. Nuestro foco como creadores se encuentra en la transmisión de este mensaje que precede a la luz y que la utiliza como medio de transmisión.
Sobre una misma historia, distintos diseñadores crearán distintos storytellings, cambiando las acentuaciones y los énfasis del relato, tal como contarían dos cuentacuentos dos versiones distintas de la caperucita roja.
Técnicamente, el storytelling lumínico se desarrolla en el cueing, teniendo un planteo ligado a la temporalidad física de la obra. Está unido a las resoluciones técnicas y al sistema de producción del proyecto.
Narrativa de la luz: La narrativa de la luz va un paso más allá. No se trata únicamente del modo de contar una historia, sino de la historia en sí, con sus personajes, la sucesión de acciones en un determinado tiempo y espacio, y con una estructura determinada.
Cuando hablamos de Narrativa de la luz, estamos hablando sobre cómo la luz acciona y actúa en escena (cuál es su forma física y cuál es su conexión con los otros lenguajes presentes en el espectáculo). Si en el Storytelling la luz era la voz con la que contábamos algo, en la Narrativa lumínica, la luz es el lenguaje con el que se escribe esta historia.
A partir de la narrativa lumínica podríamos (al igual que en la literatura), establecer una suerte de géneros lumínicos. Al tratarse del lenguaje, este concepto se encuentra en el mismo plano que el concepto lumínico, con el que también interactúa y conversa.
Dramaturgia de la luz: La dramaturgia es la puesta en acto del relato lumínico. La luz se vuelve el personaje o actante que, en un determinado lugar y tiempo, recorre distintos estados, tal como lo haría el personaje de una historia.
En la dramaturgia, el elemento principal con el que trabajaremos es el del tiempo, ya que es a través de él que podremos llevar al espectador a través del recorrido propuesto. Cuando hablo del tiempo, voy más allá del cueing, hablo del diseño de los devenires lumínicos: qué luz continúa a qué otra luz, cómo actúan y construyen un discurso propio en una lengua propia en escena que finalmente no solamente dialogue con el resto de los elementos, sino que incluso pueda discutir u oponerse a lo que esté pasando en escena. A través de su dramaturgia, la luz puede ser antagonista, un personaje secundario que ayuda a que la historia se devele o incluso un personaje principal en la puesta. Este concepto se encuentra en el mismo plano que los Universos de las Obras.
Poética de la luz: Es la relación primigenia que establecemos con la luz como creadores. Es aquella intuición que nos une a ella y que nos guía en nuestras elecciones.
A través de la poética de la luz podemos entrever nuestra visión y deseo como creadores y nuestras búsquedas artísticas que se conectan con distintas formas de materializar nuestro imaginario, conectando nuestro universo visual propio con el mundo de lo tangible. Este concepto se encuentra en el mismo plano que nuestro Universo Visual Propio, se nutre de nuestra historia y nos atraviesa a lo largo de nuestras vidas.
A través de este glosario, intenté establecer cómo se vincula la luz con los distintos elementos en escena, durante el proceso de construcción lumínico de un espectáculo. Sin quererlo, terminé por describir como me vinculo yo como diseñadora con la luz. Tal vez sea esta conexión profunda que me atraviesa, la que me lleva a seguir diseñando y a formar parte de diversos proyectos donde puedo continuar explorando mis oscuridades más profundas y mis luces más brillantes.
*Sophya Acosta nació en la ciudad de San Miguel de Tucumán, es Lic. en Diseño de Iluminación de Espectáculos de la Universidad Nacional del Arte. A lo largo de su carrera se formó en distintas disciplinas artísticas como Como diseñadora de iluminación ha trabajado en proyectos de danza, teatro y ópera tanto en Argentina como en Europa. Simultáneamente a su investigación lumínica en el ámbito teatral, ha expuesto instalaciones lumínicas en diversos eventos y galerías.
En 2023, con 28 años, Sophya recibió el premio 40 under 40 de Filix Lighting y Light Collective por su trayectoria profesional y su destacada colaboración al campo de la iluminación. En 2019, Sophya fundó Sophya Acosta Lighting Design Studio con un equipo de diseñadores de iluminación asociados. El estudio está enfocado en el diseño de iluminación escénica y proyectos de Light art creando piezas donde la luz es el núcleo y el principal elemento de construcción.
El estudio cuenta actualmente con dos oficinas de proyectos, una en Buenos Aires dirigida por la diseñadora de iluminación asociada Luciana Suppicich y otra en Barcelona, dirigida por Sophya Acosta.
